El contexto en la muestra de una obra

En esta entrada os remito a otra que subo a la vez en el otro blog que escribo, El pez de madera, cuya dirección es http://juansanchezsotelo.blogspot.com.es/2014/11/garganta.html

Allí vereis la última obra que muestro. Creo que sería mejor verlo ahora y volver luego a este texto.

Hace tiempo que vengo dándole vueltas a como dar a conocer mi trabajo teniendo en cuenta los medios disponibles. ¿Cómo aprovechar, por ejemplo, un blog? ¿Cómo utilizar en si el blog para hacer arte? ¿Qué puede aportar el medio a aquello que previamente se ha pintado? ¿Qué se puede hacer para que el blog deje de ser un contenedor neutro y pase a ser importante y definitivo el mostrar la obra allí? Encontrar aquello que lo diferencia de una página web, de un dossier u otro formato,

También ver que puede aportar de diferente a una exhibición real de la obra, porque únicamente como sustituto de la experiencia real física, deja mucho que desear.

El otro blog tiene en ese sentido una parte experimental. Haciendo las cosas las pensamos y surgen nuevas ideas.
En esta última entrada me he centrado en dos cosas: la importancia del contexto y las diferentes miradas y opciones sobre el proceso creativo.

Respecto a la importancia del contexto me interesaba que la reflexión que se hace en el escrito fuera llevada desde la historia ficticia al contexto real. Y es que al final yo pinto un cuadro y lo doy a conocer por internet, en este caso dentro de la entrada de un blog ¿Cambia el contexto cambia la obra?

Otra cosa que me interesa es lo que puedo añadir a la muestra directa de la obra. El contexto normal sería ver el cuadro expuesto en una pared. Así se aprecia por completo los colores, el tamaño real del cuadro. Pero yo como autor puedo mostrar otras cosas como fotografías del proceso, bocetos, obras relacionas, vídeos, encuadres especiales... Mostrar el camino de la obra pero también señalar otros que fueron posibles.

El blog donde subo la obra es el sitio donde dar cabida a todo esto.

Como profesor esta también es una tarea a debatir con mis alumnos ¿Cómo van a exhibir la obra?
Si se ignora el medio y el contexto seguramente erraremos el tiro.

Por último una curiosidad. Este cuadro lleva pintado varios meses y el otro día decidí subirlo con la idea de la noticia. Pues por casualidad estoy leyendo ahora el último libro de Pérez-Reverte, El francotirador paciente, y al rato de terminar la entrada del otro blog leo en el libro una situación parecida a la de mi historia. Siempre me han echo mucha gracia estas casualidades y me ha pasado muchas veces.



    

Nuevo diseño de la web www.artistas6.com

Estrenamos cambios en la web de la academia www.artistas6.com

Así que os invitamos a pasar por allí y ver las novedades. 

Ente ellas tenemos un nuevo formato de clase, EASCE, del que os contare en otra próxima entrada.

En esta enseño alguna de las imágenes que he estado diseñando para las distintas páginas.

Con ellas espero dar un empujón a aquellas personas que aunque quieren no se han animado a aprender, a veces por falta de confianza.  

Recordaros que las imágenes están sujetas a derecho de autor.

Libros recomendados para entender la obra de Marcel Duchamp

La obra de Marcel Duchamp es fundamental para entender el arte contemporáneo.

Es un artista sin embargo complicado de entender en un principio. Primero porque su trabajo se basa en las ideas y no en la estética y segundo porque el suyo es un arte que hace referencia al propio arte. Esto hace que no sea fácil enfrentarse a su trabajo sin unas nociones previas sobre el arte y su historia.

Delante de sus obras lo normal es que surja el desconcierto y las preguntas ¿Qué es esto? ¿Esto es arte? ¿Para qué ha hecho esto? Desde luego no es un mal comienzo para analizar la obra de Duchamp y sin duda es algo que él buscaba deliberadamente.

Hay que tener en cuenta además que aparte de su obra plástica, Duchamp desarrollo en algunos textos sus ideas acerca del arte, fundamentalmente en la carta firmada con el pseudónimo Robert Mutt tras el rechazo de su obra "Fuente" para la exposición de la Sociedad de Artistas Independientes y en el articulo "El proceso creativo".

De los libros que he leído acerca de él os voy a recomendar los dos que creo más completos y que mejor me han echo entender su obra.

El primero es la biografía que escribió Calvin Tomkins "Duchamp", de la editorial Anagrama.

El segundo es el libro de Juan Antonio Ramírez "Duchamp, el amor y la muerte incluso" de la editorial Siruela. 

Comentario sobre el libro Leer la mente, el cerebro y el arte de la ficción de Jorge Volpi.

En este blog aparecen con cierta frecuencia entradas con reseñas sobre libros en los cuales se da cuenta de como los avances neurología nos ayudan a entender mejor eso tan difícilmente definible que es el arte.

Las llamadas neurociencias han aportado nuevos conocimientos y explicaciones a todos los campos de la cultura y la ciencia.

Particularmente relacionado con el el arte esta el denominado neurorate palabra que popularizo el neurocientífico británico Semir Zeki.

Zeki plantea en sus libros que el arte ha contribuido de siempre al conocimiento del funcionamiento del cerebro.

El estudio del cerebro en las últimas décadas nos da nuevas respuestas y pistas acerca de preguntas tales como porque tenemos dificultades en el dibujo, porque tendemos a cometer todos ciertos errores, como nos afectan los recursos expresivos, como las composiciones organizan el significado de una obra, en que se basa la toma de decisiones o la manera de  desarrollar la creatividad.

Todas las cosas que voy leyendo me ayudan en mi trabajo como pintor pero aún más si cabe en mi faceta de profesor.

En esta entrada voy a recomendar el libro Leer la mente. El cerebro y el arte de ficción, escrito por Jorge Volpi.

El texto se centra en la ficción literaria, sin embargo las conclusiones que saca creo que son extrapolables al arte en general.

En este ensayo, Volpi recurre a la neurociencia para desarrollar su hipótesis: la idea de que somos una ficción, nos inventamos a nosotros mismos y el yo es nuestra mayor invención.

La ficción me permite imaginarme distintos mundos, vivir distintas vidas y  esa experiencia me ayuda a tomar decisiones.

La ficción también ha sido esencial para la evolución de la especie humana.

Esta idea también la comparte Juan Luis Arsuaga, (investigador del yacimiento de prehistórico de la sierra de Atapuerca) quien piensa que una de las ventajas que permitieron sobrevivir al hommosapiens a diferencia del neandertal fue la capacidad de simbolizar, de poder contar historias.

Es un libro de divulgación, dirigido a un público amplio. No hace falta en ese sentido tener conocimientos previos de neurología.

El dibujo de la figura humana, las diferentes proporciones y el lenguaje del cuerpo.

Hay dos formas de abordar el dibujo de la figura humana: desde el modelo dibujado del natural y desde los conocimientos de anatomía que tenemos.

Ambas formas son complementarias.

Del estudio particular de figuras concretas entedemos las proporciones generales.

Del mismo modo nos aprovechamos del conocimiento previo para analizar mejor las particularidades
de una figura concreta.

Cuanto más realismo queremos más necesitamos observar del modelo del natural.

Cuando tenemos que dibujar una figura utilizando la imaginación es cuando más nos apoyamos en las proporciones generales o ideales.

  
Sin embargo agarrarnos a estas proporciones puede traer como problema la poca diferenciación entre las figuras.

Si comparamos varias personas nos damos cuenta de que las proporciones varían mas de lo que a veces pensamos.

Tanto es así que en las clases de dibujo con modelo vivo se suele decir que hay que evitar que lo que sabemos a priori no nos deje ver al modelo. Si no, dibujamos lo que esperamos ver, no lo que realmente tenemos delante.

Si trabajamos retrato al final nos ocupamos de lo que diferencia a esa persona de otra, no de lo en que se parece. Las proporciones ideales representan a todas las personas y a la vez a ninguna.

En clase explico la diferencia entre personas y personajes. Cuando dibujamos un personaje hacemos hincapié en una serie de características que lo definen como tal.

Para la ilustración, la animación, el cómic, los gráficos de un videojuego, lo normal es que desarrollemos personajes y a la hora de dibujarlos nos esforcemos en que estas características sean visibles.

Para ello utilizamos variedad de proporciones en las cabezas y en el cuerpo en el general, nos apoyamos en las expresiones faciales y en el lenguaje corporal.

Por ejemplo "el avaro" puede ser delgado, poco arreglado, con poco pelo, mal peinado, de edad avanzada, encorvado, de ojos pequeños, con el ceño fruncido, marcadas las arrugas que parten de las comisuras de la boca, con los labios finos, mirando de reojo... todo lo contrario a la sensualidad de unos labios gruesos o la candidez de los ojos grandes...

Una persona sin embargo tiene muchas facetas, puede ser avaro y muchas otras cosas más.

En el retrato nos alejamos de las proporciones ideales para representar a la persona individual dentro de su complejidad, en el dibujo de imaginación utilizamos las proporciones para representar al personaje.

Por eso a mis alumnos les recomiendo aparte de estudiar los atlas anatómicos de dibujo y las expresiones de la cara que prueben también diferentes con morfologías de cabezas y distintas proporciones de cuer

En los años que llevo dando clase he comprobado que la mejor manera de controlar las proporciones del cuerpo es una vez practicando las proporciones ideales hacer variaciones y ver como funcionan.

El lenguaje verbal esta lleno de expresiones que se apoyan en los distintos tipos de proporciones como  tener una nariz generosa, mandíbula fuerte para encajar golpes, frentes estrechas, tener dos dedos de frente...

También recomiendo estudiar la comunicación no verbal que trasmite las diferentes posturas del cuerpo.  

Te puede ayudar El lenguaje del cuerpo, escrito por Allan y Barbara Pease, publicado por la editorial Amat. No es un libro de dibujo pero se esta refiriendo constantemente a lo que vemos. Es divertido y muy directo, aunque las ilustraciones no son precisamente lo mejor. En seguida te hará pensar en un montón de posibilidades para desarrollar escenas, colocar figuras en un cuadro...


                                        

En la facultad de Bellas Artes uno de los textos de referencia para varias asignaturas era La comunicación no verbal, de Flora Davis, publicado por Alianza, este último con un enfoque más antropológico y psicológico. Más denso y más heterogéneo. 


En esta entrada del blog http://artistas6.blogspot.com.es/2011/02/dibujo-y-anatomia.html tienes más información sobre libros y webs para estudiar anatomía y expresiones faciales. 

Las clases de dibujo con modelo del natural son necesarias para dibujar bien la figura humana, puedes encontrar información sobre nuestras cursos en http://artistas6.blogspot.com.es/search/label/cursos%20de%20dibujo%20y%20pintura y en nuestra web www.artistas6.com

Los engaños de la mente. Como los trucos de magia desvelan el funcionamiento del cerebro.

En esta entrada voy a reseñar el libro Los engaños de la mente, escrito por S.L. Macknik, S. Mártinez Conde y  Sandra Blakeslee, de la colección Imago Mundi.

Un libro que me ha divertido y en el que he aprendido a partes iguales. En el los autores estudian los trucos de magia y entrevistan a diferentes magos para comprender, desde el punto de la neurología, el funcionamiento del cerebro, en concreto de la percepción. 

En el también tienes enlaces a vídeos donde puedes ver a los magos en acción y explicando sus artimañas. 

Hasta hace en poco era  común en las carreras de Bellas Artes la asignatura de Psicología de la imagen, Yo la estudié en mi primer curso en la Universidad Complutense y es una de las que guardo mejor recuerdo. 

Me acuerdo en especial como el profesor nos desmenuzó las películas Casablanca y La naranja mecánica explicándonos como afectaban las imágenes al espectador. 

Ese curso fue para mi el inicio de una búsqueda de respuestas para las preguntas que surgían mientras estaba aprendiendo arte. También del interés no solo por la psicología sino también por la filosofía del arte y por las ciencias del cerebro.  

Actualmente gran parte del desarrollo de la neurología se da en el estudio del funcionamiento del cerebro al realizar diferentes tareas y habilidades en distintos ámbitos del saber, son las llamadas neurociencias. 

Así por ejemplo el estudio de los procesos cerebrales relacionados con el arte se da en el llamado neuroarte o neuroestética que tuvo un gran  impulso en los libros de Samir Zeki. 

Así mismo la teoría del arte, la estética y la practica en si del arte tienen en este campo una fuente de novedades que nos abren nuevas vías de entendimiento sobre que es el arte y que ocurre cuando experimentamos arte.   

Si te interesa profundizar en este tema, antes de empezar a leer acerca de neuoarte o neuroestética,  te recomiendo un libro que habla más extensamente sobre el funcionamiento del cerebro y que esta escrito en un lenguaje accesible y divulgativo: El cerebro, manual de instrucciones, de John Ratey. Puedes encontrarlo en el siguiente enlace: 

      http://es.scribd.com/doc/23608031/El-cerebro-JOHN-J-RATEY

Vídeos de Restauración del Museo del Prado

Aquí tenéis tres vídeos del departamento de restauración del Museo del Prado. 

En ellos podéis ver los procesos de documentación y las acciones que se realizaron sobre ellos.

Los que estáis pensando en estudiar Restauración os podéis  hacer una idea de lo que consiste el oficio.

En Madrid ahora mismo se puede estudiar el Grado de Restauración en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense y en la Escuela de Restauración y Conservación de Bienes Culturales. 

El acceso a la Facultad de Bellas Artes es por expediente académico, es decir no hay ahora mismo examen de ingreso. Si bien es conveniente tener una base de dibujo y color antes de comenzar los estudios.

Para ingresar en la Escuela de Restauración si hay una prueba de acceso consistente en una parte teórica en donde hay que desarrollar preguntas sobre Historia del Arte, Física, Biología o Química y aparte un comentario de texto; y una parte práctica donde hay que hacer un dibujo del natural, un trabajo de color y una prueba de habilidad.  

En el siguiente enlace tenéis más información sobre la prueba   http://www.escrbc.com/estructura.html

Restauración de El vino de la fiesta de San Martín de Bruegel "el viejo".

La Natividad de Pietro da Cortona

Adán y Eva de Durero: Proyecto de Restauración.

Para aquellos que están pensando estudiar ilustración

Esta entrada esta dirigida a aquellos interesados en la ilustración que no tienen porque ser solo los profesionales del medio o los que están estudiando para serlo.

Primero os hablo de un  libro ¿Son los ordenadores al diseño lo que el microondas a la cocina? Recetas y secretos para ilustradores. Lawrence Zeegen. Promopress.

Ya desde el título queda claro el tono cercano y desenfadado con el que hablan de la ilustración contemporánea y de los ilustradores. No es un libro cargado de teoría sino una aproximación a este mundo. 

El libro exponiendo los trabajos y las vivencias de los ilustradores anima a aquellos que se plantean dar el paso y dedicarse profesionalmente a la ilustración. En el libro encuentras consejos al mismo tiempo que muestra el camino que han llevado estos ilustradores hasta el éxito. Los sitios en que trabajan, las rutinas...

Creo que puede ser especialmente interesante para aquellos futuros estudiantes de arte que dudan sobre si decidirse por la ilustración.     

También subo un vídeo de un ilustrador español, Puño. Va en la misma línea. No dejéis de verlo creo que os gustara.

Clara y la penumbra

La entrada de hoy es para hablaros de un libro Clara y la penumbra de de José Carlos Somoza. Tuve noticias de este libro a través del blog El arte y la palabras de Raquel Saavedra. puedes ver su comentario en este enlace http://www.elarteylaspalabras.com/2011/07/clara-y-la-penumbra.html

Clara y la penumbra
José Carlos Somoza
Editorial Planeta

En la novela se describe un futuro en donde el arte se hace con personas a las que se les convierte en "lienzo" a las que se las pinta física y psicológicamente y se las exhibe como estatuas en un escenario.

Dentro de este mundo aparece un asesino a quien se persigue durante toda la trama.

Es la idea de que el arte pudiera darse de esta manera lo que hace especial este libro. Es algo que sorprende pero hasta cierto punto, porque tal como lo presenta el autor es creíble (quizá no en nuestra sociedad actual pero las cosas cambian). Y por que hay cosas que ya están en el arte.

Leyendo el libro recordaba el dibujo del natural. Cuando te dispones a dibujar un modelo en cierto modo lo cosificas, se convierte en formas, en medidas, en direcciones que transcribes a un papel. Les marcas una posición y pides que no se muevan, a veces también les colocas en un escenario.

También pensaba en las perfomances en las que los artistas hacen pases, en el body art.

Las modelos de pasarela en las que tradicionalmente se buscaban un estilo, un canon despersonalizado que luciera la ropa, si bien es verdad que ahora algunas de ellas son famosas y se usan como reclamo publicitario.

Es muy difícil definir que es arte y que no, entre otras cosas porque los propios artistas tienden a desafiar los límites y alejarse del resto con propuestas nuevas. El arte siempre esta en proceso de definición. Yo creo que el arte se mueve siempre en un terreno que no es exactamente la realidad, en un plano digamos teórico: la catarsis de Aristóteles.  En ese sentido, no es lo mismo hacer una película como el silencio de los corderos que realmente hacerse un traje con piel humana.
El arte es un viaje de ida vuelta, no es la realidad sino que nos ayuda a interpretarla a asumirla.

La única manera de poder valorar de una manera estética un acontecimiento trágico o monstruoso es  deshumanizando a la victima, con una falta total de empatía, cosificándola. Dejando de ver el sufrimiento y las consecuencias para centrar la atención y el interés en cuestiones únicamente estéticas.  Es decir con la mente de un psicópata.

Por otro lado el mundo de las galerías, los marchantes, los coleccionistas esta perfectamente reflejado.

PRINCIPIOS UNIVERSALES DEL DISEÑO. RECOMENDADO PARA LOS GRADOS DE ARTE.

Coincidiendo con su reedición os voy a recomendar el libro Principios Universales del Diseño, de la editorial Blume. Los autores son William Lidwell, Kritina Hiddern y Jill Butler
Ahora con 25 nuevos principios añadidos.







Los conceptos vienen ordenados alfabéticamente en ese sentido recuerda a un diccionario enciclopédico o a un glosario, pero va más allá, cada concepto viene relacionado con otros, de tal forma que aunque cada capítulo tiene autonomía el libro no deja de ser un conjunto en donde queda reflejado una idea global del diseño.

El libro es un acierto tanto en el contenido como en la presentación, haciendo algo que parece lo lógico pero que no siempre se da: un libro de diseño con muy buen diseño.



Cada principio viene definido y explicado en la página izquierda mientras que en la derecha aparece un ejemplo práctico y las ilustraciones.




Los conceptos están explicados de manera esquemática aunque muy clara, a partir de esta base puedes desarrollarlos más buscando información.

Es un libro práctico, muy útil y sencillo de usar.

DIBUJO Y ANATOMÍA

Hoy voy a subir unas webs y dar un par de títulos de libros para aquellos que estéis interesados en profundizar en el estudio de la figura humana.

Es impresionante el trabajo que han echo en estas webs y las posibilidades que se han abierto con las nuevas tecnologías. Desde luego esto es algo de lo que no disponía cuando estudiaba en Bellas Artes, y tampoco hace tanto.

Libros buenos siempre ha habido, pero también he podido ver algunos muy flojos. Yo he tenido la suerte de poder disponer de los libros de anatomía de mi padre que era traumatólogo.

http://www.artnatomia.net/ Esta web ya la recomendé en un post anterior en ella podéis estudiar expresiones faciales.

http://www.posemaniacs.com/ esta dirección la recomendó Eva, una antigua alumna de la academia, en su blog color bbaa. En esta web podeís encontrar diferentes poses, dibujadas a nivel muscular, que podéis girar con el ratón para verlas desde diferentes puntos de vista

http://www.reybustos.com/ En esta última web hay diferentes poses, moviendo el ratón de izquierda a derecha pasamos de un dibujo de músculos a una representación del cuerpo a nivel de la piel.

El Atlas de anatomía Frank Netter es un clásico, muy conocido y muy prestigioso. Su autor era médico y dibujante. De todas formas es un libro muy extenso y desarrollado para estudiar medicina. Para aquellos que quieren profundizar en el tema.

"Anatomía para el artista" de Sarah Simblet de la editorial Blume. Este es un libro que combina fotografías y dibujos. En algunas ilustraciones puedes superponer un dibujo eh papel transparente sobre una fotografía para ver como los músculos y los huesos condicionan la apariencia externa de los cuerpos.

DEL REALISMO A LA ABSTRACCIÓN

Algunos alumnos en la academia encuentran en un primer momento dificultades para entender la abstracción.

Hay varias formas de afrontar esta dificultad. Voy a comentar un libro que propone una serie de ejercicios con este objetivo.

Tiene la particularidad de que ayuda facilmente a aquellas personas que tienen un tendencia innata y a priori exclusiva al realismo.

Toda la pintura tiene un fondo común independientemente de si esta pone el acento en la descripción realista, en las cualidades abstractas, en factores expresivos, en contenidos simbólicos...

La abstracción muestra las posibilidades constructivas y expresivas de los recursos plásticos más allá de su capacidad para representar, precisamente porque pone el énfasis en el medio utilizado.

"Mirar haciendo, hacer creando" (editorial H.Blume) es un libro de José Luis Tolosa, catedrático de Pintura de la Facultad de Bellas Artes del País Vasco. En el expone un método de trabajo que ha venido utilizando en la universidad.

En el libro se recogen una serie de ejercicios a través de los cuales los alumnos transitan de una pintura realista a una abstracción.

En primer lugar pide a sus alumnos que elijan un objeto pequeño (por ejemplo un fruto) sobre el cual trabajar.

Después realizan trabajos analíticos a escala natural, buscando el mayor realismo, con diferentes técnicas y desde diferentes puntos de vista (pudiendo incluso partirlo o desmontarlo para entenderlo mejor).

Hay que ser exhaustivos en el detalle, nada de interpretar o soltar la mano, con el objetivo de conocer perfectamente la estructura y las cualidades del objeto elegido.

Posteriormente de entre todos los trabajos realizados hay que seleccionar uno y ampliarlo a 100x81 cm realizado con óleo o acrílico.

En esta fase del proyecto ya participa la diferencia de escala, que nos haces perder el contexto concentrando nuestra atención en lo puramente plástico (composición, color, forma, texturas) por encima de la representación (el objeto representado).

El siguiente paso consiste en seleccionar fragmentos del lienzo que se encuadran con cinta de papel. A la hora de seleccionar esos fragmentos se pueden atender a diferentes razones aunque lógicamente en la elección nos ayudamos del trabajo de análisis anterior.

La abstracción, en este caso, derivada de la observación que permite entender las estructuras.

Se pueden seleccionar tantos fragmentos como interese. Por último se copian esos fragmentos en otros lienzos a la escala que mejor creamos.

El método admite muchas variantes y es un punto de partida que puede llevarnos a trabajar de otras maneras.

Es un libro bien explicado, con numerosos ejemplos, bien surtido de imágenes y con conceptos claros que centran el contenido.

Es útil tanto para los que se dedican a la docencia como a los que no.

En la academia he puesto varias veces en práctica este proceso con muy buenos resultados.

CUADERNO DE PROYECTOS CREATIVOS DISEÑADO POR LA ACADEMIA DE DIBUJO Y PINTURA ARTISTAS6 DE MADRID

Un proyecto creativo se desarrolla en diferentes fases.

En el origen siempre esta la acumulación de información y de ideas.

Las personas creativas a veces somos un poco desorganizadas e impulsivas lo cual no siempre nos ayuda en nuestro trabajo.

Cuando se nos ocurre una idea pillamos el primer papel que tenemos a mano.

Suele ser la base del trabajo a medio y lago plazo. Un sitio donde aclararnos.

Los profesores somos muy dados a recomendar tener un cuaderno donde apuntar y dibujar ideas.

El problema es yo no encontraba en el mercado un cuaderno que me pareciera útil para mi y para mis alumnos.

Me suponía un problema el papel. Si quería trabajar a tinta o acuarela el papel convencional no me servía y lógicamente no quería escribir en un buen papel de dibujo o de acuarela.

Acabamos haciendo dibujos en un bloc de esbozos, si metemos técnicas fluidas cogemos otro cuaderno, luego recortamos imágenes que acaban en una carpeta, escribimos ideas en cualquier papel que luego no encontramos.

Para nuestra suerte Ada ha diseñado para nosotros un cuaderno cómodo y útil para poder desarrollar proyectos creativos. Un cuaderno donde poder escribir, dibujar pintar y guardar información.

De tal forma que todo este junto y a mano. Un cuaderno que se puede llevar a cualquier sitio, para utilizar en cualquier momento.

El cuaderno lleva unas fundas de plástico donde poder guardar hojas sueltas, tarjetas, recortes de prensa...

Tiene dos tipos de papeles separados en dos bloques de anillas. A la izquierda un papel convencional para escribir ideas, realizar bocetos, pegar fotos y a la derecha papel basik de mayor gramaje para desarrollar los bocetos de una manera más elaborada pudiendo meter técnicas fluidas como acuarela, tempera o tinta.

Los papeles se pueden colocar de tal forma que se puede desarrollar mas en el papel basik una idea apuntada en el papel más convencional o trabajar a patir de una imagen que hubiéramos guardado.

Una herramienta para los alumnos de la academia y que también ponemos a disposición las personas que quieran.

Cabe la posibilidad de personalizarlos. Si estáis interesados mandarnos un mail al correo informacion@artistas6.com

El GUIÓN DE ROBERT MCKEE. RECOMENDADO PARA DIBUJANTES DE COMICS, ILUSTRADORES Y DISEÑADORES DE VIDEOJUEGOS.

Voy a recomendaros un libro que he leído este verano: El guión, de Robert McKee, publicado por Alba editorial.









Es muy didáctico, muy bien estructurado con mucho contenido pero escrito en un lenguaje sencillo. En el texto parecen muchos ejemplos en los que se apoya para explicar los argumentos.



Es un libro dificil de resumir. Basicamente da pautas, consejos y claves para escribir un giuón que funcione: tener ideas claras y enlazar escenas haciendo que la historia progrese hacia un gran final.

Le gustara también a aquellos que escriaban novelas y cuentos.


Puede resultar muy útil a aquellos que se dedican al comic, la ilustración y el diseño de videojuegos.

Aprovecho también el post para desear suerte a aquellos que estáis de exámenes.

DE NUEVO DE VUELTA

Ya estamos de nuevo de vuelta de las vacaciones.



En este post os dejo el blog y la página de dos antiguas alumnas de Artistas6 a las que había perdido la pista y con las cuales he contactado este verano.



Es una gran satisfacción ver como Andrea y Estefania han completado sus estudios y siguen adelante.



Andrea estudió joyería, ya desde el momento en que se preparaba el examen de acceso a la escuela de arte, se la veía una chica con determinación y creatividad algo que creo que podréis ver en sus elegantes piezas. Podéis ver su trabajo en su página web http://mumu.con.es/



Estefania preparo con nosotros la prueba de acceso a Bellas Artes ahora ya ha terminado la carrera. Aparte de pintora es profesora de yoga. En su blog dice que quiere que sus pinturas trasmitan las experiencias y las sensaciones del yoga. creo que va por buen camino. Podéis ver su trabajo en http://acrilicart-myblog.blogspot.com/

ULTIMAS LECTURAS: GOYA, EL BOSCO Y EL SURREALISMO POP.

Voy a hablaros de los últimos tres libros que he leído, bueno los tres últimos de arte porque entremedias he vuelto a leer los Cuentos de imaginación y misterio de Edgar Allan Poe.

El primero: Pinturas negras de Goya, de Valeriano Bozal, de la colección La balsa de medusa de Antonio Machado Libros.

Valeriano Bozal ha sido durante mucho tiempo uno de los críticos más activos en la difusión de la cultura en general y la pintura en particular. Es incluso más motivador oírle que leerle. Si tenéis la oportunidad no dejéis de asistir a una conferencia suya, no os decepcionara.

En todo caso siempre hay que estar le agradecido a la firmeza que mantuvo en la disputa por El Guernica con el gobierno Vasco cuando fue director del museo Reina Sofía. Es reconfortante que un cargo no se rija por la sensatez en lugar de motivos de oportunidad política.

En el libro domina sobretodo una idea y una imagen: Goya pintó las llamadas pinturas negras sobre otros murales que ya estaban pintados. Pinturas que representaban escenas costumbristas y paisajes.

No se sabe si esos primeros murales los pinto Goya u otro artista o si los encontró ya pintados cuando compro la casa.
El caso es que eso que un día alguien llego a pintar ¡tuvo que llegar a ser tan absurdo para él!

Es fácil imaginarse a Goya mirando esos paisajes con decepción, imagino que no podría siquiera mirarlos sin desagrado… seguro que de ese desagrado surgió la alucinante metamorfosis que sufrieron las bucólicas escenas.

Cuando leía el libro recordaba la frase de Adorno: “después de Auswitch no puede haber poesía”.

En otro libro Bozal señalaba a Goya como el inicio de la pintura moderna donde la temática dura no se veía embellecida ni justificada por la forma en que aparecía pintada, sino que se presentaba monstruosa.
Rubens puede pintar como le sacan los ojos a Sansón pero lo hace de forma bella. Sin embargo no hay nada bello a lo que agarrarse en el Saturno devorando a sus hijos, de Goya. Es tremendo no solo por lo que representa sino por como esta pintado, sin ninguna concesión.




El primer recuerdo que tengo del Museo del Prado es precisamente ese cuadro. Yo era bastante pequeño y a partir de entonces si alguien me mentaba el coco yo sabia el aspecto que tenía.

El segundo libro: El Bosco. El jardín de las delicias, de Hans Belting. Abada Editores.
Muy bien documentado. Muy completo también de imágenes, tanto de detalles del cuadro, como de otras obras de El Bosco y otros pintores contemporáneos.

A lo largo del texto Belting va dando claves acerca del origen y las motivaciones que pudo tener la obra así como las influencias e ideas que pueden estar detrás.

La tesis es que El Bosco pintó como podría haber sido el jardín de El Edén si Adán y Eva no hubieran cometido el pecado original. Lo que era una excusa perfecta para hacer un trabajo de imaginación que contrarresta la sátira de la representación del infierno.


La utopía de una humanidad sin pecado en contraste con la realidad mundana del infierno.

A lo largo del libro también señala la relación entre la pintura y la literatura de la época. Dedica la parte final del libro a Erasmo y Tomás Moro y a la relación temática entre el Jardín de la delicias, El elogio de la locura y Utopía.

El último libro: Los colores del underground, de Joan S. Luna, de la editorial Astiberri.
Un libro de entrevistas a distintos artistas cercanos al surrealismo pop.




Siempre me han gustado las entrevistas a los pintores. Más allá de los lugares comunes si lees entrelíneas siempre hay cosas interesantes.
En este caso además parece por las respuestas, que los entrevistados estaban a gusto.

No estaba muy puesto sobre el lowbrow ni el surrealismo pop aunque si conocía algunos de los pintores que aparecen.

Se puede discutir el término underground.

Más allá de cuestiones formales las imágenes son sorprendentes y sugestivas.

Hay algunas cosas que me han llamado la atención.

La relación de los diferentes artistas con la música, algunos han sido músicos, otros han diseñado para grupos y el entrevistador, que es crítico musical, les pregunta por sus preferencias musicales.

La relación entre la pintura y la música es de siempre tanto es así que la pintura toma de la música mucho de su vocabulario como las palabras composición y armonía. Tampoco falta en la historia del arte músicos-pintores y pintores-músicos.

Pero ahora el acceso a la música es tan fácil con las radios, los mp3…, el cine nos cuenta historias con música y esta aparece de improviso en un anuncio o en un centro comercial. Vivimos rodeados de música (para lo bueno y para lo malo).

Yo siempre pinto escuchando música y a veces me da por pensar que todos vivimos nuestra vida como una película con una banda sonora en la cabeza (seguro que no soy muy original).

También he visto muy evidente que en la formación y en los primeros trabajos profesionales de estos artistas están la ilustración, la animación y los videojuegos. Lo que les da un matiz distinto respecto a la formación clásica.

Habrá que ver como asimila la pintura en general estas influencias a la larga.
Por decir un nombre Jeff Koons lleva moviendose tiempo por ese camino.

De momento yo señalaría:

• la construcción de personajes que aparecen a lo largo de la obra y que muchas veces tienen nombre.
• un trabajo icónico muy reconocible que se lleva a diferentes formatos como reproducciones, juguetes, camisetas.
• una intención narrativa en las obras que a veces se desarrollan en varios cuadros. A veces se apoyan en símbolos que pueden ser culturales pero que otras veces son personales.



Luna señala acertadamente una mezcla de inocencia y maldad en muchos de ellos. Algunos citan entre sus influencias a El Bosco.

Aunque esa maldad no llega la densidad, la desazón y el pesimismo tan profundamente marcado de la obra de El Bosco y de Goya.

Y luego he apuntado un par de frases de esas que te dejan pensando, citas que incluso se agrandan fuera de contexto:

En el libro del surrealismo-pop, Luna pregunta Eric White acerca de los sentimientos de sus personajes y si tienen relación con su estado de ánimo. En la respuesta habla de “emociones desordenadas”.

En el libro sobre El jardín de la delicias Belting hablando sobre la utopía dice “el infierno es producto de la historia”.

EL PEZ DE MADERA, NUEVO BLOG DE PINTURA CON LOS CUADROS Y LA OBRA DE JUAN SÁNCHEZ SOTELO.

Hola, a partir de ahora voy a ir subiendo al otro blog que escribo todas las obras que vaya haciendo. Tendrá entradas con bocetos, fotografías, cuadrod paso a paso, comentarios... Espero que lo visitéis y que os guste lo veáis. Esta es la dirección:

http://juansanchezsotelo.blogspot.com/

Aparte, aprovecho la entrada para recomendaros vídeos con animaciones sobre el Guernica de Picasso.



http://www.youtube.com/watch?v=eKVCov-XFXw



http://youtube.com/watch?v=4drJL-pRTko&NR=1

COMENTARIO DEL LIBRO ENTENDER EL CÓMIC, EL ARTE DE LO INVISIBLE DE SCOTT McCLOUD

En la primera entrada de este blog voy a hablarte del libro que acabo de terminar de leer: "Entender el Cómic, el arte invisible" de Scott McCloud (editorial Astiberri).

Al dar clase de dibujo y pintura te das cuenta de la dificultad que tiene explicarte con palabras.
Por ejemplo, cuando estoy corrigiendo un dibujo a mis alumnos me doy cuenta del fallo que ha cometido de un vistazo, rápidamente. Sin embargo luego tengo que pensar como me he dado cuenta para poder contárselo al alumno para que vea el fallo y que así aprenda a corregirse a sí mismo.
A lo largo de los años de práctica vas interiorizando y mecanizando una serie de recursos que luego afloran a la mente de una manera casi inconsciente y además consigues trabajar prestando atención a varias cosas a la vez, educas la vista.
Las cosas te parecen evidentes pero para alguien que no tiene tanta práctica no lo es.
En el dibujo y la pintura además hay un fuerte componente subjetivo, aquí las cosas no funcionan como en las matemáticas: dos más dos cuatro. Por eso valoro especialmente las personas que consiguen explicar con claridad conceptos de arte, como Scott McCloud en este libro sobre el cómic.

No es un libro que te enseñe a dibujar sino que trata sobre lo que a mi juicio tiene que ser el principio: tener un idea clara de cual es el lenguaje del cómic y ver las distintas posibilidades que éste da.

Como profesor creo que una de las dificultades que tenemos para aprender es toda la confusión de términos y conceptos de los que partimos, por que no partimos nunca de cero.
Todos tenemos un contacto muy temprano con el arte. Lo experimentamos y hablamos de él, pero eso no conlleva que tengamos las ideas claras y cuando vamos a practicar arte toda esa confusión nos desorienta haciéndonos perder de vista nuestros objetivos.

A mi entender el punto de partida tiene que ser "qué" queremos hacer y luego viene el arte, que consiste en "como". Que quiero hacer y luego hacerlo de la mejor manera posible.

Este libro trata sobre que es el cómic y su gran virtud reside en explicar las cosas fácilmente. Es un libro lleno de contenido, con ideas muy elaboradas y que sin embargo se lee con sencillez y que además lo hace utilizando el propio lenguaje del cómic.

No es sin embargo un libro que solo pueda interesar a la gente que dibuja cómics, sus ideas van más allá y yo se lo recomendaría a cualquier persona que le guste el arte.