Las clases de dibujo del natural con modelo de Artistas6 se articulan en dos partes.
Abarcan dos horas, en la primera hacemos ejercicios rápidos destinados a mejorar la técnica y los conceptos fundamentales del dibujo.
En la segunda hora hacemos trabajos un poco más largos, en donde los alumnos tienen libertad para buscar una forma de expresión propia, desarrollar ideas y descubrir de manera creativa distintas posibilidades.
En clase propongo que plateen el trabajo como un diálogo: el modelo con su pose comunica algo y nosotros respondemos con el dibujo.
Es como seguir una conversación, reacciono con el dibujo de la misma manera que mi cara, mis gestos y el tono de voz expresan aún más cosas que lo que literalmente dicen las palabras.
Sin embargo cuando propongo este trabajo a los alumnos principiantes, de primeras se suelen bloquear un poco.
No saben muy bien que hacer o no tienen todavía confianza suficiente para lanzarse detrás de las cosas que se les ocurren.
Para empezar ayuda mucho ver distintas posibilidades. La creatividad se basa en que tengamos distintas opciones entre la que elegir.
Un buen ejercicio de creatividad es ver la obra de diferentes dibujantes y analizar que provocan las distintas formas de representar.
Cuando vemos varias opciones se nos ocurren otras más y entre todas podemos decantarnos por lo que nos lleva hacía nuestra forma de entender el modelo: eso es lo que tenemos dibujar.
En esta entrada partiendo de una misma pose he hecho diferentes dibujos como ejemplos de distintas posibilidades a explorar.
Este primer dibujo parte de un esbozo, es decir ir modelando las formas a través de lineas que se van solapando unas a otras. Esto lleva fácilmente a soltar la mano y que se vea el ritmo y la energía (mayor o menor ) que ponemos en la ejecución de los trazos. También permite acentuar algunas líneas marcándolas mas fuerte.
En el siguiente dibujo utilizo un trazo grueso sencillo pero contundente para trabajar la idea de fragmento y encuadre. Siempre es importante tanto lo que dibujas como lo que no dibujas. Seleccionar una parte dentro del todo ya genera significado.
En este, a la idea de fragmento se une la geometrización de las formas para generar estructuras nuevas en donde el espectador tiene que construir la representación. Al eliminar la cabeza el significado es menos evidente y la atención se concentra en las formas.
El próximo es un dibujo a línea pero en vez de ser contundente y gruesa en este caso es más fina y rítmica forzando las curvas para crear volúmenes redondeados. El resultando también es más dinámico. El entorno ayuda a entender la escena.
En este otro altero las proporciones alargando el cuello separando así la cabeza del cuerpo. Esto me permite también que la forma general se convierta en algo triangular.
Al estar la cabeza ligeramente por debajo de los pies tiene más peso.
Los pies son también un poco más grandes y he acortado el espacio de las piernas para incidir en la sensación general de peso.
Las desproporciones son un recurso expresivo muy efectivo, piensa por ejemplo en el Greco, pero deben ser intencionadas y efectivas para la sensación que queremos transmitir.
A continuación un dibujo a línea limpio, si dobles trazos ni claroscuro. Estos dibujos suelen ser espontáneos y se suelen hacer de un tirón. La línea es más descriptiva que constructiva, es decir incorpora discontinuidades que definen la anatomía de huesos y músculos. Sin embargo estas discontinuidades se exageran un poco soltando la mano. De esta manera se une representación y expresividad.
Ahora vemos una utilización complementaria de trazos gruesos y líneas. Lo interesante es que sean precisamente complementarias, que no digan lo mismo sino que la representación sea producto de su unión.
Las piernas aparecen como algo amalgamado que no se puede separar, fundida la una con la otra.
El dibujo a continuación también esta realizado con trazos y líneas. La separación de las piernas tampoco esta especialmente definida. Pero lo más característico es la dureza de las rayas que articulan el brazo superior convirtiéndolo en algo mas bien quebrado, doloroso.
En este la figura se simplifica en volúmenes redondeados trabajados con claroscuro. La ausencia de rostro lo convierte en algo anónimo, impersonal y las manos han perdido los dedos uniéndose en una sola, no se pueden separar. Al ser más pequeña la figura y tener más importancia el fondo hay una mayor sensación de aislamiento y soledad.
En la pose que adopta la modelo también nos podemos fijar en el hueco que queda entre la piernas y los brazos. Interpreto esta idea con una elipse vacía en el centro del cuerpo, un vacío que rodea el cuerpo. También fuerzo la posición de la cabeza y dirijo la mirada al espectador. En este caso es una interpretación basada en el simbolismo.
Igual que el anterior este dibujo tiene una base simbólica.
Este dibujo es un estudio de la estructura. Se refuerza cierta simetría a partir del nudo de las manos y las rodillas.
Ahora un trabajo constructivo utilizando los blancos, grises y negros para generar una composición complementaria.
Desproporción en la cabeza y utilización mayor del fondo con manchas que articulan el espacio.
La última imagen es un cuadro realizado con acrílico.
