Escrito por Juan Sánchez Sotelo

Todos los textos, el diseño gráfico utilizado en las entradas, así como los esquemas y dibujos superpuestos en los cuadros sobre los que se analiza la composición están realizados por Juan Sánchez Sotelo y están sujetos a derechos de propiedad intelectual.

martes, 5 de enero de 2016

 ¿Quieres aprender a dibujar la figura humana? Apuntate a nuestro curso de iniciación/perfeccionamiento.

Te hacemos la siguiente propuesta un descuento por venir cuatro horas a la semana:
  • dos las dedicaremos a dibujar la figuras aprendiendo las proporciones del cuerpo, y a darles movimiento.
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Si ya has dibujado del natural, ya la sabes lo divertido que es y lo que se aprende. Si no lo has hecho nunca, anímate no te arrepentirás.

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jueves, 15 de enero de 2015

EASCE, un nuevo formato de clases en Artistas6 para desarrollar la creatividad y la expresividad.



 En a6 empezamos un nuevo formato de clases

easce  Ejercicios para Aprender a buscar Soluciones Creativas y Expresivas



imagen creada por Juan Sánchez Sotelo Entrada en donde se da cuenta de un nuevo formato de clases  para desarrollar creatividad y expresividad en Artistas6 academia de dibujo y pintura de Madrid, cursos para aprender a dibujar y pintar. Venta de obra original contemporánea figurativa y abstracta. Enmarcación. Retratos y otros encargos.

Discutir conceptos de arte, mejorar la fluidez creativa, dar salida a la expresividad y aprender a manejar recursos técnicos.
imagen creada por Juan Sánchez Sotelo Entrada en donde se da cuenta de un nuevo formato de clases  para desarrollar creatividad y expresividad en Artistas6 academia de dibujo y pintura de Madrid, cursos para aprender a dibujar y pintar. Venta de obra original contemporánea figurativa y abstracta. Enmarcación. Retratos y otros encargos.



En las clases se trabaja en grupo y se articulan en tres partes:

  • En la primera se expone el PLANTEAMIENTO sobre el que gira la   clase.
  • En la segunda este planteamiento se desarrolla a través de EJERCICIOS

  • En la última se realiza una VALORACIÓN

El horario será los martes de 18:00 a 20:00
logotipo realizado por Juan Sánchez Sotelo para la academia de dibujo y pintura Artsitas6 de Madrid, clases y cursos para aprender a dibujar y pintar. Venta de obra original contemporánea abstracta y figurativa. Enmarcación. Retratos y otros encargos.
Para más información ponte en contacto con nosotros artistas6@telefonica.net

jueves, 27 de noviembre de 2014

El contexto en la muestra de una obra

En esta entrada os remito a otra que subo a la vez en el otro blog que escribo, El pez de madera, cuya dirección es http://juansanchezsotelo.blogspot.com.es/2014/11/garganta.html

Allí vereis la última obra que muestro. Creo que sería mejor verlo ahora y volver luego a este texto.

Hace tiempo que vengo dándole vueltas a como dar a conocer mi trabajo teniendo en cuenta los medios disponibles. ¿Cómo aprovechar, por ejemplo, un blog? ¿Cómo utilizar en si el blog para hacer arte? ¿Qué puede aportar el medio a aquello que previamente se ha pintado? ¿Qué se puede hacer para que el blog deje de ser un contenedor neutro y pase a ser importante y definitivo el mostrar la obra allí? Encontrar aquello que lo diferencia de una página web, de un dossier u otro formato,

También ver que puede aportar de diferente a una exhibición real de la obra, porque únicamente como sustituto de la experiencia real física, deja mucho que desear.

Imagen para la entrada en la que se da cuenta de la importancia del contexto en la interpretación de una obra. Para ello se remite a la obra Garganta subida al blog El pez de madera. Tanto al obra como los diferentes escritos y fotografías y vídeos han sido realizados por Juan Sánchez Sotelo de la Academia de dibujo y pintura Artistas6 de madrid, clases para aprender a dibujar y pintar. Venta de obra original contemporánea figurativa y abstracta. En la obra se cita a Silvia Plath, hay grafiti, música y guitarrista. Acrílico y técnica mixta sobre madera.

El otro blog tiene en ese sentido una parte experimental. Haciendo las cosas las pensamos y surgen nuevas ideas.
En esta última entrada me he centrado en dos cosas: la importancia del contexto y las diferentes miradas y opciones sobre el proceso creativo.

Respecto a la importancia del contexto me interesaba que la reflexión que se hace en el escrito fuera llevada desde la historia ficticia al contexto real. Y es que al final yo pinto un cuadro y lo doy a conocer por internet, en este caso dentro de la entrada de un blog ¿Cambia el contexto cambia la obra?

Otra cosa que me interesa es lo que puedo añadir a la muestra directa de la obra. El contexto normal sería ver el cuadro expuesto en una pared. Así se aprecia por completo los colores, el tamaño real del cuadro. Pero yo como autor puedo mostrar otras cosas como fotografías del proceso, bocetos, obras relacionas, vídeos, encuadres especiales... Mostrar el camino de la obra pero también señalar otros que fueron posibles.


Imagen para la entrada en la que se da cuenta de la importancia del contexto en la interpretación de una obra. Para ello se remite a la obra Garganta subida al blog El pez de madera. Tanto al obra como los diferentes escritos y fotografías y vídeos han sido realizados por Juan Sánchez Sotelo de la Academia de dibujo y pintura Artistas6 de madrid, clases para aprender a dibujar y pintar. Venta de obra original contemporánea figurativa y abstracta. En la obra se cita a Silvia Plath, hay grafiti, música y guitarrista. Acrílico y técnica mixta sobre madera.

El blog donde subo la obra es el sitio donde dar cabida a todo esto.

Como profesor esta también es una tarea a debatir con mis alumnos ¿Cómo van a exhibir la obra?
Si se ignora el medio y el contexto seguramente erraremos el tiro.

Por último una curiosidad. Este cuadro lleva pintado varios meses y el otro día decidí subirlo con la idea de la noticia. Pues por casualidad estoy leyendo ahora el último libro de Pérez-Reverte, El francotirador paciente, y al rato de terminar la entrada del otro blog leo en el libro una situación parecida a la de mi historia. Siempre me han echo mucha gracia estas casualidades y me ha pasado muchas veces.



    

miércoles, 22 de octubre de 2014

Nuevo diseño de la web www.artistas6.com




imagen diseñada por Juan Sánchez Sotelo para Artistas6 academia de dibujo y pintura de madrid, clases y cursos para aprender a pintar y dibujar. Venta de obra original cuadros figurativos y abstractos.
Estrenamos cambios en la web de la academia www.artistas6.com

Así que os invitamos a pasar por allí y ver las novedades. 

Ente ellas tenemos un nuevo formato de clase, EASCE, del que os contare en otra próxima entrada.

En esta enseño alguna de las imágenes que he estado diseñando para las distintas páginas.




imagen diseñada por Juan Sánchez Sotelo para Artistas6 academia de dibujo y pintura de madrid, clases y cursos para aprender a pintar y dibujar. Venta de obra original cuadros figurativos y abstractos.

Con ellas espero dar un empujón a aquellas personas que aunque quieren no se han animado a aprender, a veces por falta de confianza.  

imagen diseñada por Juan Sánchez Sotelo para Artistas6 academia de dibujo y pintura de madrid, clases y cursos para aprender a pintar y dibujar. Venta de obra original cuadros figurativos y abstractos.


Recordaros que las imágenes están sujetas a derecho de autor.

sábado, 15 de febrero de 2014

Proyecto Primarios de Jesus Aranaz

Jesús Aranaz lleva varios años en la academia, así que ya es tanto alumno como amigo.

Durante este tiempo a ido realizando un trabajo donde ha combinado un aprendizaje técnico, que cada vez le da más solidez  a sus cuadros, con una búsqueda de un lenguaje propio.

Es un espíritu inquieto y creativo con una mente siempre en ebullición y una gran pasión por la pintura.

Ahora empieza una nueva aventura muy ambiciosa  de la que va a dar cuenta paso a paso en el blog http://jesusaranazprimarios.blogspot.com


Obra de Jesús Aranaz de su proyecto Primarios


Prefiero que sea el mismo quien explique de que se trata. Os animo a que entréis en el blog y sigáis el proceso.

Yo por mi parte tendré la oportunidad de ver  aquí en Artistas6 como desarrolla esta idea.

Como profesor es una suerte no solo poder ayudar sino también la oportunidad de aprender sobre cosas nuevas.

Como academia nuestro objetivo es que los alumnos hagan obras personales en las que expresen su visión.




 

jueves, 30 de enero de 2014

La importancia de la experimentación para el aprendizaje de la pintura y el desarrollo expresivo y creativo

En mi trabajo como pintor no empiezo igual todos los cuadros.

En algunos voy desde el principio con una idea bastante determinada, en otros sin embargo improviso más.

Pero de una manera u otra siempre hay un momento en que se me empiezan a ocurrir cosas "raras",
que me proponen salirme del guión, de lo que conozco.

Imágenes de cuadros originales de Juan Sánchez Sotelo para entrada blog de Artistas6 en la que se valora la importancia de la experimentación para el aprendizaje de la pintura y el desarrollo expresivo y creativo de los alumnos. Escrito por Juan Sánchez Sotelo para la academia de dibujo y pintura Artistas6 de Madrid. Clases y cursos para aprender a dibujar y pintar. Venta de obra original contemporánea abstracta y figurativa.
Proceso de realización de obras de Juan Sánchez Sotelo


La mayoría de las veces me dejo llevar, a veces encuentro cosas interesantes y otras veces me pierdo y acabo en un sitio que no me gusta.

En un trabajo creativo nos apoyamos en la intuición, no en certezas.

Pero aunque no logre nada que merezca la pena lo que ha ocurrido mientras indagaba siempre compensa.

A mis alumnos les suelo insistir en que prueben, que no se queden con las ganas de saber que pasa si hacen una cosa u otra... si cambian algo de sitio o proporción o introducen un color nuevo o si juegan con otros materiales.

Casi siempre se puede volver atrás y continuar por otro camino y tampoco pasa nada si se escapa algún cuadro, lo que aprendes mientras lo haces es lo que nos permite avanzar y mejorar.

Una de las principales motivaciones a la hora de pintar es experimentar, probar distintas opciones, descubrir nuevas soluciones, encontrar cosas nuevas con las que conseguir transmitir la idea o la sensación que queremos expresar.

Cuando empezamos a dibujar y pintar solemos tener retos a corto plazo: ser capaces de dibujar el modelo que tenemos delante, de sacar el color que necesitamos... estos retos sin embargo nos duran poco dado que la técnica es lo que más rápido adquirimos.

Entonces nos damos cuenta de la cantidad de posibilidades que se abren ante nosotros:  más técnicas, diferentes formas de pintar, distintas maneras de entender el arte y empezamos a buscar nuestro camino.

Imágenes de cuadros originales de Juan Sánchez Sotelo para entrada blog de Artistas6 en la que se valora la importancia de la experimentación para el aprendizaje de la pintura y el desarrollo expresivo y creativo de los alumnos. Escrito por Juan Sánchez Sotelo para la academia de dibujo y pintura Artistas6 de Madrid. Clases y cursos para aprender a dibujar y pintar. Venta de obra original contemporánea abstracta y figurativa.
Proceso de realización de obras de Juan Sánchez Sotelo


Hay un lugar común en pintura que se suele decirse: a los pintores lo que nos gusta es pintar, de tal manera que cuando acabamos un cuadro empezamos otro.

Una vez acabado un cuadro ya no nos interesa tanto, de vez en cuando lo volvemos a ver casi siempre comparándolo con lo que estamos haciendo en ese momento.

Porque al fin y al cabo ¿porque pintamos, porque hacemos arte? por todo lo que experimentamos mientras lo hacemos, por lo que aprendemos, por lo que sufrimos, por lo que disfrutamos, por lo que descubrimos...

En cierto modo pintar un cuadro es como ver una película, un thriller en el que no sabes que va a ocurrir al final o como un experimento en el que tratas de demostrar una hipótesis.

En la experimentación esta la base de la expresividad y la creatividad propia de cada alumno.

Como pintor suelo probar muchas cosas y mi trabajo es bastante ecléctico. Esto me permite como profesor adaptarme bien a los distintos proyectos de mis alumnos.

Puedes ver la obra que voy haciendo en El pez de madera (http://juansanchezsotelo.blogspot.com)
En este blog además de la obra terminada suelo subir fotos que he ido haciendo durante el proceso, bocetos e imágenes digitales creadas a partir de los cuadros.

Es una buena manera de ver lo que puedes aprender en Artistas6.

También  hay un catalogo completo de la obra en http://juansanchezsoteloobra.blogspot.com


Imágenes de cuadros originales de Juan Sánchez Sotelo para entrada blog de Artistas6 en la que se valora la importancia de la experimentación para el aprendizaje de la pintura y el desarrollo expresivo y creativo de los alumnos. Escrito por Juan Sánchez Sotelo para la academia de dibujo y pintura Artistas6 de Madrid. Clases y cursos para aprender a dibujar y pintar. Venta de obra original contemporánea abstracta y figurativa.
Proceso de realización de obras de Juan Sánchez Sotelo

martes, 19 de noviembre de 2013

Diferencia en arte conceptual y arte contemplativo


En la entrada anterior os recomendaba dos libros para entender mejor la obra de Duchamp.

Determinado tipo de arte puede dejarnos perplejos en un primer momento sin saber bien como interpretarlo.

Duchamp planteaba de manera irónica donde están los límites del arte, que es realmente el arte.

Lo hacía de manera provocativa, intentaba demoler con humor una idea dogmática del arte. Un dogmatismo que también rechazaba en las vanguardias. Era un auténtico antisistema empeñado en hacer "antiarte".

Por ejemplo, L.H.O.O.Q.,  en su obra basada en la Gioconda, hay implícita una crítica a todos aquellos que a raíz del robo del original del museo del Louvre en 1912 se acordaron de repente de que ese cuadro existía y toda esa corriente academicista que de manera simplista oponían el arte del Renacimiento, al arte contemporáneo.*

Sin embargo, lo que a principios del s.xx se planteaba como algo rompedor ahora pasa a ser cotidiano en las exposiciones de arte, sin que esa cotidianedad reste perplejidad a gran parte de los espectadores.

La razón es que el arte responde a diferentes motivaciones, no todos buscamos lo mismo en el arte. Ni desde el punto de vista de los creadores ni desde el punto de vista de los espectadores.

Si nos preguntan si existe el arte, la gran mayoría diremos que si, pero si nos preguntan que es, tenderemos a decir cosas distintas. Para unos es belleza, para otros la capacidad de emocionar, para otros el mensaje que trasmite.

Cuando entramos a una exposición tenemos una expectativa derivada de nuestra idea de arte, de lo que hemos aprendido y de aquellas cosas con las que disfrutamos, vamos buscando algo.

Imaginemos a un espectador A, que valora fundamentalmente la dificultad técnica de unas obras, a lo mejor a él le cuesta dibujar, ve un cuadro de un realismo alto, bien resuelto y admira la capacidad de descripción de objetos, figuras, texturas...

Ahora imaginemos a un espectador B, que valora ante todo la creatividad y la originalidad, ve un cuadro pongamos de Magritte y admira la inventiva de este autor.

Si el espectador A ve un cuadro muy original pero resuelto de manera fácil, sencilla (que él considera al alcance de su propia destreza) lo estimará peor.

Si el espectador B ve un cuadro con un gran dibujo pero con un tema convencional también lo enjuiciara peor.

Pero si nos encontramos con algo que rompe por completo nuestra expectativa nos podemos sentir decepcionados. Y si lo que nos encontramos esta muy alejado de los que nosotros valoramos del arte, de nuestra idea de arte, tenderemos a no reconocerlo como tal: esto no es arte.

Podríamos pensar que lo suyo sería ir si ideas preconcebidas pero en realidad el arte es un lenguaje y como tal necesita ser aprendido. Es difícil enfrentarse a determinadas obras sin un conocimiento previo.

Para seguir con el ejemplo de Duchamp podemos distinguir entre arte contemplativo y arte conceptual.

Podemos definir el arte contemplativo como aquel que se basa en la experiencia sensorial fruto de la contemplación de la obra. La forma condiciona el significado, es decir la composición, el uso de los colores y la texturas.

Delante de un cuadro de Rubens nos dejamos llevar por el movimiento de las figuras enlazándose unas con otras de manera circular, la oposición entre los colores cálidos del primer plano y los azules del fondo, podemos recrearnos en las expresiones de los personajes.




Imagen del cuadro Rapto de las hijas de Leucipo de Rubens utilizada para la entrada sobre la diferencia entre el arte conceptual y el arte contemplativo. Escrito por Juan Sánchez Sotelo para la academia de dibujo y pintura Artistas6 de Madrid. Clases y cursos para aprender a dibujar y pintar. Con ejemplos de Rubens y Duchamp.

Rubens, El rapto de las hijas de Leucipo (1616)


Sin embargo no parece que tenga mucho sentido quedarse mirando mucho tiempo la obra Fuente de Duchamp.

Imagen de Fuente de Duchamp utilizada para la entrada sobre la diferencia entre el arte conceptual y el arte contemplativo. Escrito por Juan Sánchez Sotelo para la academia de dibujo y pintura Artistas6 de Madrid. Clases y cursos para aprender a dibujar y pintar. Con ejemplos de Rubens y Duchamp.

Duchamp, Fuente, 1917.


En esta obra lo importante es la idea, una vez entendida esta no hay nada más que mirar. Hablaríamos en este caso de arte conceptual.

En 1917 Duchamp pertenecía a la Sociedad de artistas independientes de Nueva York. Estos promovieron una exposición en donde todo el que pargara el dinero de la inscripción podría participar y mostrar su trabajo. Fieles al lema "ni premios ni jurados" estaban obligados a  admitir las obras presentadas, sin selección previa, dejando que el público las valorara por su cuenta. Allí se debían encontrar profesionales, amateurs, principiantes y veteranos todos juntos sin etiquetas.

Duchamp miembro del comité organizador presentó,  la obra Fuente bajo el pseudonimo Robert Mutt, sin que nadie supiera que él se escondía tras este.  La obra era un urinario convencional con la única intervención de la firma.
Después de varias deliberaciones fue retirada poco antes de empezar la exhibición.
Duchamp, otra vez bajo el nombre de Robert Mutt, escribió una carta que se publicó al día siguiente en el periódico quejándose de la retirada de su obra pese a haber pagado la inscipción. Sin embargo lo más interesante del texto es la parte donde define el arte como elección.

Aparte de lo comentado, esta obra igual que el resto de la producción de Duchamp da pie a diversas interpretaciones dado el juego que solía plantear de diferentes lecturas y dobles intenciones.

Me extendería aquí mucho si hablara de la importancia que tuvo la definición del arte como elección a las claves que diferentes autores han dado para comprender la Fuente. El caso es que esta obra puede dar para hablar mucho acerca del arte y de como funciona la sociedad, no solamente de estética sino también de ética.

Podemos estar de acuerdo con los planteamientos de Duchamp o en contra. Esta obra puede hacernos pensar pero lo que no tiene razón de ser es valorarla con los mismo parámetros que usábamos para el cuadro de Rubens, es decir ir a buscar algo que no hay.

La apreciación del cuadro de Rubens, del arte contemplativo, se da en la experiencia directa sensible de lo que tenemos delante, de las emociones que provocan directamente la composición, el color, el ritmo. Las ideas vienen expresadas, dependen de una forma concreta ( otra composición generaría otras sensaciones a pesar de que nos encontráramos los mismos personajes y la misma historia)

En la obra de Duchamp la forma del urinario es lo de menos. A la hora de valorarla nos movemos en el mundo de las ideas. Podemos también imaginarnos el funcionamiento. Es como iniciar un debate, una discusión... aunque curiosamente la ironía de Duchamp también puede provocar emociones encontradas.

¿Sería lo mismo si en vez de haber hecho Fuente hubiera escrito sus ideas en un ensayo? Claramente no.
La manera de trasmitir el mensaje sigue siendo importante pero de manera distinta que en el arte basado en la contemplación.

* Sobre la repercusión que tuvo el robo de la Gioconda puedes ver el primer capítulo del libro Teoría del arte de José Jiménez.   

lunes, 4 de noviembre de 2013

Libros recomendados para entender la obra de Marcel Duchamp





La obra de Marcel Duchamp es fundamental para entender el arte contemporáneo.

Es un artista sin embargo complicado de entender en un principio. Primero porque su trabajo se basa en las ideas y no en la estética y segundo porque el suyo es un arte que hace referencia al propio arte. Esto hace que no sea fácil enfrentarse a su trabajo sin unas nociones previas sobre el arte y su historia.

Delante de sus obras lo normal es que surja el desconcierto y las preguntas ¿Qué es esto? ¿Esto es arte? ¿Para qué ha hecho esto? Desde luego no es un mal comienzo para analizar la obra de Duchamp y sin duda es algo que él buscaba deliberadamente.

Hay que tener en cuenta además que aparte de su obra plástica, Duchamp desarrollo en algunos textos sus ideas acerca del arte, fundamentalmente en la carta firmada con el pseudónimo Robert Mutt tras el rechazo de su obra "Fuente" para la exposición de la Sociedad de Artistas Independientes y en el articulo "El proceso creativo".

De los libros que he leído acerca de él os voy a recomendar los dos que creo más completos y que mejor me han echo entender su obra.

El primero es la biografía que escribió Calvin Tomkins "Duchamp", de la editorial Anagrama.


Portada del libro Duchamp  de Calvin Tomkins utilizada en la entrada donde se recomiendan los libros Duchamp de Calvin Tomkins y Duchamp, el amor y la muerte incluso de Juan Antonio Ramírez. Artículo escrito por Juan Sánchez Sotelo para el blog de la academia de dibujo y pintura Artistas6 de Madrid. Clases y cursos para aprender a dibujar y pintar.




El segundo es el libro de Juan Antonio Ramírez "Duchamp, el amor y la muerte incluso" de la editorial Siruela. 
Portada del libro Duchamp  de Calvin Tomkins utilizada en la entrada donde se recomiendan los libros Duchamp de Calvin Tomkins y Duchamp, el amor y la muerte incluso de Juan Antonio Ramírez. Artículo escrito por Juan Sánchez Sotelo para el blog de la academia de dibujo y pintura Artistas6 de Madrid. Clases y cursos para aprender a dibujar y pintar.


martes, 15 de octubre de 2013

Composiciones equilibradas utilizando los tres colores primarios.

En esta entrada voy a hablar de la composición por color, en concreto de composiciones utilizando los colores primarios.

Para ello utilizaremos como ejemplos obras de Vermeer, Picasso, Miró y Mondrian.

Los tres colores primarios  son el amarillo, el azul cyan y el magenta, sin embargo en los siguientes cuadros lo que vamos a ver son distintas variaciones de amarillo, azul y rojo, con distintas intensidades y distintos grados de saturación.

Estos tres colores no son exclusivos sino dominantes, es decir, son los que mayor visibilidad tienen y en ese sentido organizan visualmente la imagen a través de jerarquías.

Acompañando estos tres colores principales nos encontramos el negro, el blanco y colores terciarios, agrisados, que mantienen el equilibrio entre azules, rojos y amarillos. Es decir sea acomodan con un contraste parecido a cualquiera de los dominantes.

Voy a explicar mejor lo dicho hasta ahora.

Lo primero que debemos señalar es que los colores y las formas van siempre unidos. Puedo ver un triángulo rojo o una forma amorfa roja pero no puedo ver rojo sin dimensión.

El área que cubre un color, la forma que adopta, la posición de dicha forma e incluso lo que representa afecta a la visibilidad de un color.

Decía Matisse que no es lo mismo un centímetro cuadrado de rojo que un metro cuadrado de rojo.
De la misma manera, la misma superficie de un color en un triángulo o en un cuadrado nos parecerá distinta. Y tampoco es lo mismo que ese color se encuentre en el centro o en un lateral.

Para ver como la representación afecta a la visibilidad del color nos podemos fijar en el cuadro de Vermeer La joven de la perla.

El rojo abarca una superficie muy pequeña pero esta en los labios, una forma que incorpora mucho significado, mucha información (la expresión del rostro) y a la que miramos irremediablemente.
Si el rojo estuviera en un detalle menor del fondo o de la vestimenta le prestaríamos menos atención.

Imagen de La joven de la perla de Vermeer. Entrada explicando las composiciones equilibradas, armónicas utilizando los tres colores primarios. Ejemplos de obras de Vermeer, Picasso, Miró y Mondrian. Ensayo escrito por Juan Sánchez Sotelo para la Academia de dibujo y pintura Artistas6 de Madrid. Clases y cursos para aprender a dibujar y pintar

La joven de la perla hacia 1665


Lo segundo que vamos a señalar es que vemos los colores siempre por contraste, es decir vemos rojo al lado de naranja, o al lado de verde pero no podemos ver solamente rojo. Y ese rojo se dará distinta sensación según conque color contraste.

En el caso de los primarios vemos que son colores intensos y con un fuerte contraste entre ellos.

Podríamos hacer alguno de ellos dominante apoyándonos en la forma y la composición, como en el siguiente cuadro de Matisse,  donde también hay amarillos y azules pero el color principal y que define el cuadro es el el rojo.

Imagen de Gran interior rojo de Matisse. Entrada explicando las composiciones equilibradas, armónicas utilizando los tres colores primarios. Ejemplos de obras de Vermeer, Picasso, Miró y Mondrian. Ensayo escrito por Juan Sánchez Sotelo para la Academia de dibujo y pintura Artistas6 de Madrid. Clases y cursos para aprender a dibujar y pintar

Gran interior rojo


Otra opción es buscar un equilibrio entre ellos. Haciendo que ninguno de ellos tenga mayor peso visual

En los siguientes cuadros observaremos una curiosa armonía entre rojos, amarillos y azules, en cuanto que los tres tienen una visibilidad parecida.

Sin embargo, como hemos visto, esto no depende de que literalmente haya una superficie equivalente o estén dispuestos de manera simétrica, sino que los autores juegan con la forma, la situación, la representación y el contraste.

Al quitarle saturación a un color (agrisándolo o aclarándolo con blanco) le restamos potencia. Así puedo compensar un color muy saturado que ocupe una superficie pequeña con otro mas débil que sin embargo cupe una superficie mayor, teniendo los dos un peso similar en la composición.    

El resto de los colores de la composición pueden ayudar a este equilibrio con pequeñas variaciones en las mezclas. Por ejemplo un color tierra (gama de marrones) lo puedo modificar hacia amarillos (ocres) o hacia rojos ( siena tostado).
Con esto consigo, sin restarle importancia a los tres colores principales de la composición, añadir en los fondos algo más al porcentaje de alguno de los primarios.

Los grises son colores que resultan de la mezcla de los tres primarios de tal manera que no suelen entrar en conflicto con ninguno de ellos, caben en cualquier sitio y no alteran la relación entre ellos.

En la siguiente obra, Vermeer junta en el centro del cuadro, continuando el movimiento de ladeo de la cabeza, el amarillo de la blusa, el azul ultramar del cojín y el hilo rojo. El rojo (al igual que en La chica de la perla) pese a ocupar poco espacio tiene un contraste mayor que los rasgos de la cara haciéndose así muy presente.     


Imagen de La encajera de Vermeer. Entrada explicando las composiciones equilibradas, armónicas utilizando los tres colores primarios. Ejemplos de obras de Vermeer, Picasso, Miró y Mondrian. Ensayo escrito por Juan Sánchez Sotelo para la Academia de dibujo y pintura Artistas6 de Madrid. Clases y cursos para aprender a dibujar y pintar

La encajera hacia 1669


En la lechera, también de Vermeer, los azules abarcan más superficie pero equilibra la presencia del amarillo ocre con los tonos del pan y la cesta y el rojo de la falda con los sienas de la jarra, la vasija y el suelo.

Los primarios forman en su continuidad (blusa, delantal y falda) una "columna" vertical a partir de la cual se organiza la composición.

Imagen de La lechera de Vermeer. Entrada explicando las composiciones equilibradas, armónicas utilizando los tres colores primarios. Ejemplos de obras de Vermeer, Picasso, Miró y Mondrian. Ensayo escrito por Juan Sánchez Sotelo para la Academia de dibujo y pintura Artistas6 de Madrid. Clases y cursos para aprender a dibujar y pintar

La lechera, 1960


El siguiente es un retrato de Picasso. Pese a haber una gran cantidad de rojo, el contraste fuerte de la parte inferior y el que la cara este pintada de azul igualan las fuerzas para los otros dos primarios.

Imagen de Marie Therese Walter de Picasso. Entrada explicando las composiciones equilibradas, armónicas utilizando los tres colores primarios. Ejemplos de obras de Vermeer, Picasso, Miró y Mondrian. Ensayo escrito por Juan Sánchez Sotelo para la Academia de dibujo y pintura Artistas6 de Madrid. Clases y cursos para aprender a dibujar y pintar

Marie Therese Walter


En este otro el azul esta rebajado con blanco y en muy poca superficie pero sin embargo esta en la cara y se beneficia de un contrate directo con el pómulo amarillo y la vertical roja que pasa por la nariz.

El rojo de la izquierda aparece rebajado en su contrate con el rostro mediante unos trazos morados horizontales. El negro que tiene mucho impacto sin embargo no altera la relación entre los primarios.


Imagen de Mujer con sombrero de Picasso. Entrada explicando las composiciones equilibradas, armónicas utilizando los tres colores primarios. Ejemplos de obras de Vermeer, Picasso, Miró y Mondrian. Ensayo escrito por Juan Sánchez Sotelo para la Academia de dibujo y pintura Artistas6 de Madrid. Clases y cursos para aprender a dibujar y pintar

Mujer con sombrero


Si seguís mi blog ya sabéis que por el siguiente cuadro tengo una especial debilidad. Podéis ver una análisis mas completo de esta obra en la siguiente dirección http://artistas6.blogspot.com.es/2009/03/tan-lejostan-cerca.html

En esta entrada señalare como las franjas amarillas iluminan la figura blanca matizándola. Pese a ser el amarillo un color utilizado de manera muy concisa tiene la misma fuerza que el rojo y el azul.


Imagen de Jacqueline con manos cruzadas de Picasso. Entrada explicando las composiciones equilibradas, armónicas utilizando los tres colores primarios. Ejemplos de obras de Vermeer, Picasso, Miró y Mondrian. Ensayo escrito por Juan Sánchez Sotelo para la Academia de dibujo y pintura Artistas6 de Madrid. Clases y cursos para aprender a dibujar y pintar

Jacqueline con manos cruzadas, 1954


En los próximos cuadros de Miró hay una mayor cantidad de azul. De los tres primario el azul es el menos vibrante con lo cual zonas más pequeñas de amarillo y rojo posibilitan fácilmente el equilibrio.


Imagen de Bailarina de Miró. Entrada explicando las composiciones equilibradas, armónicas utilizando los tres colores primarios. Ejemplos de obras de Vermeer, Picasso, Miró y Mondrian. Ensayo escrito por Juan Sánchez Sotelo para la Academia de dibujo y pintura Artistas6 de Madrid. Clases y cursos para aprender a dibujar y pintar

Bailarina ,1925


Imagen Sucesión de Miró. Entrada explicando las composiciones equilibradas, armónicas utilizando los tres colores primarios. Ejemplos de obras de Vermeer, Picasso, Miró y Mondrian. Ensayo escrito por Juan Sánchez Sotelo para la Academia de dibujo y pintura Artistas6 de Madrid. Clases y cursos para aprender a dibujar y pintar

Sucesión Miró


Imagen Mujer enfrente del sol de Miró. Entrada explicando las composiciones equilibradas, armónicas utilizando los tres colores primarios. Ejemplos de obras de Vermeer, Picasso, Miró y Mondrian. Ensayo escrito por Juan Sánchez Sotelo para la Academia de dibujo y pintura Artistas6 de Madrid. Clases y cursos para aprender a dibujar y pintar

Mujer enfrente del sol, 1950



Las últimas obras son Mondrian. En ellas podemos ver como sobre una composición con pocos elementos (fondo blanco, retícula negra y rectángulos de color) se pueden hacer infinitas variaciones. 

Dependiendo de como sea de grande el área de dichos rectángulos, si el formato es vertical o apaisado, la posición que ocupan, la cantidad de recintos y el grosor de la línea negra, cambia el peso visual.

Mondrian juega con ello para estudiar los diferentes equilibrios.


Imagen Composición rojo-azul de Mondrian . Entrada explicando las composiciones equilibradas, armónicas utilizando los tres colores primarios. Ejemplos de obras de Vermeer, Picasso, Miró y Mondrian. Ensayo escrito por Juan Sánchez Sotelo para la Academia de dibujo y pintura Artistas6 de Madrid. Clases y cursos para aprender a dibujar y pintar

Composición Rojo-Azul de Piet Mondrian


Imagen Composición rojo, azul y amarillo de Mondrian . Entrada explicando las composiciones equilibradas, armónicas utilizando los tres colores primarios. Ejemplos de obras de Vermeer, Picasso, Miró y Mondrian. Ensayo escrito por Juan Sánchez Sotelo para la Academia de dibujo y pintura Artistas6 de Madrid. Clases y cursos para aprender a dibujar y pintar
Composición con rojo, azul y amarillo



Imagen Cuadro I, con negro, rojo, azul y amarillo de Mondrian . Entrada explicando las composiciones equilibradas, armónicas utilizando los tres colores primarios. Ejemplos de obras de Vermeer, Picasso, Miró y Mondrian. Ensayo escrito por Juan Sánchez Sotelo para la Academia de dibujo y pintura Artistas6 de Madrid. Clases y cursos para aprender a dibujar y pintar
Cuadro I, con negro, rojo, azul y amarillo


Las composiciones basadas en armonías entre amarillo, rojo y azul producen sensaciones vitales, enérgicas e intensas pero lógicamente ni estridentes ni tensionales.  


viernes, 27 de septiembre de 2013

Ejercicios de dibujo: Análisis de estructuras, dibujo a línea, dibujar planos, rayados y trazos.

En una entrada anterior (http://artistas6.blogspot.com.es/2013/09/como-trabajar-la-expresividad-en-las.html)  hablábamos sobre la expresividad en el dibujo y las interpretaciones sobre un modelo.

En esta me voy a escribir acerca del dibujo analítico.

El dibujo analítico como su nombre indica es un estudio lo más objetivo posible del modelo del que partimos.

Uno de los lugares comunes más utilizados por los profesores es que aprender a dibujar es aprender a ver.

Nos referimos a a que para poder explicar lo que vemos primero debemos entenderlo bien. El dibujo es en sí el medio para conseguir desentrañar lo que tenemos delante.

A diferencia de otras opciones más libres a nivel creativo o expresivo, en el dibujo analítico la comparación con el modelo nos permite saber cuanto hemos comprendido valorando cuanto nos hemos acercado a él.

El aprendizaje del dibujo analítico no solo nos capacita para hacer un dibujo realista sino que también favorece los trabajos más personales derivados del motivo, ya que para controlar los cambios que hacemos debemos entender bien aquello de lo que partimos.

Hay que hacer notar de todas formas, que en un trabajo de copia traducimos lo que vemos y como en toda traducción esta no puede ser literal. La copia es siempre una interpretación.

Debemos explicarnos en el lenguaje que usamos, el del dibujo: traducimos de tres a dos dimensiones, trabajamos con otros materiales (lapicero en vez de mármol en este ejemplo) aquello que copiamos.

En las asignatura de dibujo de las escuelas de arte y las universidades de bellas artes se realizan distintos ejercicios para aprender a analizar.  

Cogiendo como modelo el Torso de Hermes voy a mostraros algunos de estos ejercicios.




Dibujo de estructuras: El objetivo es marcar los ejes fundamentales de la estructura señalando la relación entre ellos mediante líneas que simplifican el modelo.

En el dibujo se ve como varían progresivamente las inclinación de hombros, pectorales, cintura y caderas.

El eje central del cuerpo se arquea  manteniendo la perpendicularidad con las inclinaciones anteriores (el esternón perpendicular a la inclinación de los pectorales).

El perfil derecho abriéndose en un arco en contraposición al izquierdo que se cierra en un ángulo.


Dibujo de estatua clásica torso de Hermes. Ejercicio de dibujo explicados, estructuras, simplificaciones, por planos, claroscuro, rayado trazos. Explicación de objetivos. grados arte, bellas artes. Dibujo y texto de Juan Sánchez Sotelo para la academia de dibujo y pintura Artistas6 de Madrid. Clases y cursos para aprender a dibujar y pintar.



Dibujo por planos: Consiste en resumir en planos rectos el volumen de la figura. Este ejercicio ayuda a entender como plantear el claroscuro a partir de como reciben la luz cada uno de los planos en función de su orientación.
En este caso los planos vienen también diferenciados aparte de por el contraste por la dirección de los trazos que marcan su valoración tonal (más o menos oscuro).


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Dibujo a línea: Se busca una línea lo más precisa y descriptiva posible para representar la figura sin recurrir al claroscuro. 

Este ejercicio sirve sobretodo para aprender a ver bien las trayectorias de los limites de las formas expresados por la línea.

En la continuidad de las trayectorias y en la relación entre las líneas entendemos la relación entre los perfiles exteriores e interiores (la curva exterior del hombro continua hacía dentro del cuerpo señalando el límite con el pectoral. 

En ese sentido debemos entender que al dibujar la relación entre las líneas lo que estamos dibujando es la forma delimitada por ellas (el cuello por ejemplo) y como se relacionan estas también a nivel estructural.

Es un trabajo que desarrollo mucho la capacidad de observación y la seguridad con la que acabamos trazando.   
Dibujo de estatua clásica torso de Hermes. Ejercicio de dibujo explicados, estructuras, simplificaciones, por planos, claroscuro, rayado trazos. Explicación de objetivos. grados arte, bellas artes. Dibujo y texto de Juan Sánchez Sotelo para la academia de dibujo y pintura Artistas6 de Madrid. Clases y cursos para aprender a dibujar y pintar.


Rayado: Se reproduce el claroscuro a partir de un rayado en donde los trazos mantienen un paralelismo y normalmente una inclinación de 45º.

Este ejercicio se propone para estudiar el claroscuro, es decir como la luz explica el volumen. Introduce el concepto de mancha al no recurrir a lineas de contorno para señalar los límites.

Es un trabajo que se debe desarrollar con paciencia y limpieza lo que enseña al alumno a trabajar de manera pausada (todos al principio vamos demasiado deprisa).

Hay que evitar realizar el rayado con zigzags, los trazos deben estar separados y manteniendo el ángulo.


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Trazos marcando los planos: Aquí los trazos se acomodan a la forma de los planos bien rectos o bien curvos. Se prescinde de límites marcados por líneas y se define el volumen de la figura por el contraste de claroscuro y el contraste que supone la contraposición del sentido de los trazos.

El sentido de los trazos se decide buscando la mejor manera de explicar el volumen de la figura. 



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A parte de estos ejercicios, esta el claroscuro tradicional que suele ser parte de las pruebas de acceso a los grados de las escuelas de arte y las universidades de bellas artes.

Puedes ver un paso a paso de como realizar la copia  a claroscuro con carboncillo de una estatua (el torso de Belvedere) en el siguiente enlace:   



Y en esta otra entrada como dibujar correctamente el movimiento de las estatuas clásicas a partir del análisis de la Venus de Milo:


martes, 24 de septiembre de 2013

Comentario sobre el libro Leer la mente, el cerebro y el arte de la ficción de Jorge Volpi.



En este blog aparecen con cierta frecuencia entradas con reseñas sobre libros en los cuales se da cuenta de como los avances neurología nos ayudan a entender mejor eso tan difícilmente definible que es el arte.

Las llamadas neurociencias han aportado nuevos conocimientos y explicaciones a todos los campos de la cultura y la ciencia.

Particularmente relacionado con el el arte esta el denominado neurorate palabra que popularizo el neurocientífico británico Semir Zeki.

Zeki plantea en sus libros que el arte ha contribuido de siempre al conocimiento del funcionamiento del cerebro.

El estudio del cerebro en las últimas décadas nos da nuevas respuestas y pistas acerca de preguntas tales como porque tenemos dificultades en el dibujo, porque tendemos a cometer todos ciertos errores, como nos afectan los recursos expresivos, como las composiciones organizan el significado de una obra, en que se basa la toma de decisiones o la manera de  desarrollar la creatividad.

Todas las cosas que voy leyendo me ayudan en mi trabajo como pintor pero aún más si cabe en mi faceta de profesor.

En esta entrada voy a recomendar el libro Leer la mente. El cerebro y el arte de ficción, escrito por Jorge Volpi.
Imagen de portada del libro Leer la mente, el cerebro y el arte de ficción escrito por Jorge Volpi. Neuoarte  para el comentario de Juan Sánchez Sotelo . Recomendado por  la academia de dibujo y pintura Artistas6 de Madrid, clases y cursos para aprender a dibujar y pintar.


El texto se centra en la ficción literaria, sin embargo las conclusiones que saca creo que son extrapolables al arte en general.

En este ensayo, Volpi recurre a la neurociencia para desarrollar su hipótesis: la idea de que somos una ficción, nos inventamos a nosotros mismos y el yo es nuestra mayor invención.

La ficción me permite imaginarme distintos mundos, vivir distintas vidas y  esa experiencia me ayuda a tomar decisiones.

La ficción también ha sido esencial para la evolución de la especie humana.

Esta idea también la comparte Juan Luis Arsuaga, (investigador del yacimiento de prehistórico de la sierra de Atapuerca) quien piensa que una de las ventajas que permitieron sobrevivir al hommosapiens a diferencia del neandertal fue la capacidad de simbolizar, de poder contar historias.

Es un libro de divulgación, dirigido a un público amplio. No hace falta en ese sentido tener conocimientos previos de neurología.


domingo, 15 de septiembre de 2013

Como trabajar la expresividad en las clases de dibujo al natural con modelo

Las clases de dibujo del natural con modelo de Artistas6 se articulan en dos partes. 

Abarcan dos horas, en la primera hacemos ejercicios rápidos destinados a mejorar la técnica y los conceptos fundamentales del dibujo.

En la segunda hora hacemos trabajos un poco más largos, en donde los alumnos tienen libertad para buscar una forma de expresión propia, desarrollar ideas y descubrir de manera creativa distintas posibilidades.

En clase propongo que plateen el trabajo como un diálogo: el modelo con su pose comunica algo y nosotros respondemos con el dibujo. 

Es como seguir una conversación, reacciono con el dibujo de la misma manera que mi cara, mis gestos y el tono de voz expresan aún más cosas que lo que literalmente dicen las palabras.  

Sin embargo cuando propongo este trabajo a los alumnos principiantes, de primeras se suelen bloquear un poco.
No saben muy bien que hacer o no tienen todavía confianza suficiente para lanzarse detrás de las cosas que se les ocurren.     

Para empezar ayuda mucho ver distintas posibilidades. La creatividad se basa en que tengamos distintas opciones entre la que elegir. 

Un buen ejercicio de creatividad es ver la obra de diferentes dibujantes y analizar que provocan las distintas formas de representar. 

Cuando vemos varias opciones se nos ocurren otras más y entre todas podemos decantarnos por lo que nos lleva hacía nuestra forma de entender el modelo: eso es lo que tenemos dibujar.

En esta entrada partiendo de una misma pose he hecho diferentes dibujos como ejemplos de distintas posibilidades a explorar. 



Este primer dibujo parte de un esbozo, es decir ir modelando las formas a través de lineas que se van solapando unas a otras. Esto lleva fácilmente a soltar la mano y que se vea el ritmo y la energía (mayor o menor ) que ponemos en la ejecución de los trazos. También permite acentuar algunas líneas marcándolas mas fuerte. 

Dibujo desnudo figura femenina Entrada en donde se explica a través de distintos dibujos a trabajar de manera expresiva apuntes tomados del natural. También como se organizan las clases de los cursos de dibujo con modelo en la academia Artistas6 de Madrid. Clases y cursos donde aprender a dibujar. Entrada escrita por Juan Sánchez Sotelo. Dibujos en blanco y negro hechos con lápiz, grafito, carboncillo, barras de conté



En el siguiente dibujo utilizo un trazo grueso sencillo pero contundente para trabajar la idea de fragmento y encuadre. Siempre es importante tanto lo que dibujas como lo que no dibujas. Seleccionar una parte dentro del todo ya genera significado. 

Dibujo desnudo figura femenina Entrada en donde se explica a través de distintos dibujos a trabajar de manera expresiva apuntes tomados del natural. También como se organizan las clases de los cursos de dibujo con modelo en la academia Artistas6 de Madrid. Clases y cursos donde aprender a dibujar. Entrada escrita por Juan Sánchez Sotelo. Dibujos en blanco y negro hechos con lápiz, grafito, carboncillo, barras de conté



En este, a la idea de fragmento se une la geometrización de las formas para generar estructuras nuevas en donde el espectador tiene que construir la representación. Al eliminar la cabeza el significado es menos evidente y la atención se concentra en las formas.  

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El próximo es un dibujo a línea pero en vez de ser contundente y gruesa en este caso es más fina y rítmica forzando las curvas para crear volúmenes redondeados. El resultando también es más dinámico. El entorno ayuda a entender la escena.

Dibujo desnudo figura femenina Entrada en donde se explica a través de distintos dibujos a trabajar de manera expresiva apuntes tomados del natural. También como se organizan las clases de los cursos de dibujo con modelo en la academia Artistas6 de Madrid. Clases y cursos donde aprender a dibujar. Entrada escrita por Juan Sánchez Sotelo. Dibujos en blanco y negro hechos con lápiz, grafito, carboncillo, barras de conté


En este otro altero las proporciones alargando el cuello separando así la cabeza del cuerpo. Esto me permite también que la forma general se convierta en algo triangular.
Al estar la cabeza ligeramente por debajo de los pies tiene más peso.
Los pies son también un poco más grandes y he acortado el espacio de las piernas para incidir en la sensación general de peso.
Las desproporciones son un recurso expresivo muy efectivo, piensa por ejemplo en el Greco, pero deben ser intencionadas y efectivas para la sensación que queremos transmitir.

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A continuación un dibujo a línea limpio, si dobles trazos ni claroscuro. Estos dibujos suelen ser espontáneos y se suelen hacer de un tirón. La línea es más descriptiva que constructiva, es decir incorpora discontinuidades que definen la anatomía de huesos y músculos. Sin embargo estas discontinuidades se exageran un poco soltando la mano. De esta manera se une representación y expresividad.

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Ahora vemos una utilización complementaria de trazos gruesos y líneas. Lo interesante es que sean precisamente complementarias, que no digan lo mismo sino que la representación sea producto de su unión.
Las piernas aparecen como algo amalgamado que no se puede separar, fundida la una con la otra.

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El dibujo a continuación también esta realizado con trazos y líneas. La separación de las piernas tampoco esta especialmente definida. Pero lo más característico es la dureza de las rayas que articulan el brazo superior convirtiéndolo en algo mas bien quebrado, doloroso.

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En este la figura se simplifica en volúmenes redondeados trabajados con claroscuro. La ausencia de rostro lo convierte en algo anónimo, impersonal y las manos han perdido los dedos uniéndose en una sola, no se pueden separar. Al ser más pequeña la figura y tener más importancia el fondo hay una mayor sensación de aislamiento y soledad.

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En la pose que adopta la modelo también nos podemos fijar en el hueco que queda entre la piernas y los brazos. Interpreto esta idea con una elipse vacía en el centro del cuerpo, un vacío que rodea el cuerpo. También fuerzo la posición de la cabeza y dirijo la mirada al espectador. En este caso es una interpretación basada en el simbolismo.

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Igual que el anterior este dibujo tiene una base simbólica.
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Este dibujo es un estudio de la estructura. Se refuerza cierta simetría a partir del nudo de las manos y las rodillas.

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Ahora un trabajo constructivo utilizando los blancos, grises y negros para generar una composición complementaria.

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Desproporción en la cabeza y utilización mayor del fondo con manchas que articulan el espacio.

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La última imagen es un cuadro realizado con acrílico.

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Si te interesan nuestras clases de dibujo del natural con modelo ponte en contacto con nosotros en artistas6@telefonica.net. Puedes encontrar más información sobre estas clases en www.artistas6.com

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