Marilyn, Andy Warhol y Walter Benjamin II

En 1936 Walter Benjamin publica su libro"La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica".

La tesis principal del libro dicho en su propias palabras sería:

"Las masas de hoy parece que necesitan que todo les sea más próximo. Parece, pues, según este punto de vista, que hacer las cosas más próximas sea más "humano". Evidentemente, esto no es cierto. Al hacerlo todo actualizable se traspasa lo único de forma que se deja de lado. Todo puede ser copiado, todo puede venir a mi posición a través de la copia. Ya no tengo que buscar lo oculto de la copia, porque ya no existe lo oculto. No hay ningún rastro, de este modo, de la tradición que se esconde en cada poro de tela, en el yeso de una escultura, en la obra que esta distanciada".

Esta nueva condición del arte por un lado lo democratiza, ya que lo hace accesible a todo el mundo. Por otro lado puede acabar uniformándonos, por que acabamos viendo y oyendo todos los mismo, aquello a lo que los medios dan existencia. Porque, si algo no se ve ¿existe?

Además esta el agravante de que frecuentemente consumimos arte no solo a través de reproducciones, sino a través de malas reproducciones.

Continuando con el post anterior cualquiera puede ver un documental de, pongamos el caso, Petra por televisión, o comprar por internet un poster del Guernica.

Al igual que la imagen de Marilyn, cualquier cosa puede convertirse en icono. Los medios pueden generar el deseo a través de una "buena imagen". Los iconos son importantes reclamos pubilicitarios que añaden un valor al producto.

Los iconos están envueltos en una aureola dificilmente definible que los hace deseables. Debajo de esa aureola esta el sentirse aceptado, coincidir con el gusto de la mayoría, porque se vive siempre mejor dentro del grupo. Los iconos ayudan a coexionar el grupo.

A lo largo de la historia determinadas obras de arte han servido de modelo estético a la sociedad, sustituyendo otros referentes desgastados o menos adecuados al momento histórico. En cuanto son aceptadas por la mayoría.

Esas obras acaban siendo asimiladas de diferentes maneras. Podemos ver, por ejemplo, como el dominio de la perspectiva cambio el diseño de las ciudades o la manera en que el cubismo influyó en la arquitectura internacional. De esta manera ideas en su momento vanguardistas terminan siendo parte de nuestro paisaje, de nuestra experiencia diaria. Ese sedimento cultural forma parte de nuestra manera de entender el mundo.

Hacer el arte reproducible es quitarle su individualidad. Hacer el arte cotidiano es rebajarle su impacto. También todo lo kitsch (la figurita de plástico rosa del David de Miguel Ángel) tiene la capacidad de rebajar, de diluir la obra haciéndola más fácil. Es otra forma que tiene la sociedad de asimilar las obras de arte, que acaban apareciendo hasta en la sopa, disponibles en cualquier momento aunque sea en dudosas reproducciones.

No creo que la intención de Warhol fuera hacer exactamente una crítica, sino que sus obras responden a su lucidez acerca del papel de la imagen en nuestra sociedad. Le gusta que las cosas sean así y disfruta del éxito.
Desde el momento en que el artista toma conciencia del funcionamiento de lo popular o de lo kitsch pueden utililzarlo de manera intencionada. Desde el momento que el espectador es conscientemente de la reglas según las cuales debe interpretar la obra puede disfrutar de lo cursi y lo barato por el simple hecho de serlo. Y una vez puestos cuanto mas kitsch sea y cuanto más consciente de ello seamos mejor ( lo tremendo seria considerarlo bello ). Como la obra de abajo de Jeff Koons.



Bien mirado, la utilización consciente del pop y del kitsch no deja de ser elitista. No deja de ser una forma de estar por encima de ello.

El trabajo de Warhol es fruto de su tiempo. Trata del icono, no de Norma Jean. El icono es sugerente, adaptable al espectador y al mismo tiempo fácil de entender porque es parte de nuestra día a día.

Normalmente se estudia el arte pop como reacción al expresionismo abstracto anterior. El expresionismo abstracto es profundamente subjetivo e individual. La interpretación depende en gran medida del espectador y el significado de la obra es muy abierto.
El Expresionismo abstracto emparenta directamente con la idea romántica de genio. El genio seria aquel espíritu que es capaz dentro de su singularidad de realizar algo extraordinario en un rapto de inspiración. Algo que esta más allá de la habilidad técnica, algo que sobrepasa lo conocido y lo aprendido. Es más algo, que no se puede aprender y que no se puede enseñar. Se nace genio. La obra depende del momento, es irrepetible. La obra es en si, físicamente, es valiosa porque es única.

En contraposición a estas ideas surge el Pop, como cultura popular, cultura de masas. Una cultura para todo el mundo. En el pop todo el mundo puede expresarse, todo el mundo puede consumir arte, el arte habla para la mayoría, tiene que ser entendible para la mayoría. Cualquiera puede ser un artista famoso. No hace falta virtuosismo sino conectar con el público y mantenerse visible. El artista busca fans, cuantos más mejor. Y para el espectador ser fan de alguien ya es ser algo.

Sin embargo, como comentabamos en el anterior post, en las subastas se sigue cotizando la genialidad de Warhol y se paga por lo original.